Autor: María Bueno

Introducción al poema:

Este poema es una elegía emocional dirigida al gran Federico García Lorca. A través de una voz poética profundamente admirativa, la autora da gracias al poeta por su legado lírico y humano, evocando su trágico final con imágenes de sufrimiento, oscuridad y tierra silente. La obra no solo rememora su figura, sino que le otorga un aura de eternidad y secreto: Lorca vive aún, escondido en la memoria del mundo, en los manantiales de su tierra y en el alma de quienes lo sienten.

LA TIERRA GUARDA SU SECRETO

Admirado poeta:

Deseo darle las gracias
por su sentir,
por su forma libre de vivir,
por entretejer pasiones
en su existir.

¡Ay, maestro!
Cuán necesarios
son sus pensamientos,
su generosidad en derrochar
sentires soñados,
tras los cristales teñidos
de sufrimiento.

Tras noches en vela,
lidiando insomnios
con sombras chinescas,
ululando sueños siniestros
que escriben futuros negros.

¡Ay, negruras!
¿Dónde esconder mi cuerpo
para que nadie derrame su alma
con mis cantares eternos?

Querido poeta, sé su secreto:
poder cerrar los ojos
y mirar desde dentro,
porque sólo la eternidad
es su fiel compañero,
esa mezcolanza de cantares
y poemas cargados de versos.

Alevosías perfectas
escritas sobre lo incierto,
sobre saberes y luchas
que hoy duermen atesorando
la vida del maestro.

Don Federico García Lorca,
guardián de pesares,
de sentimientos que nadan
entre aguas cristalinas,
bajo manantiales
que esconden su cuerpo.

La tierra llora
todos sus sentires,
todos sus sueños.

Federico García Lorca,
amado ser humano,
amado recuerdo,
amado MAESTRO.

© María Bueno, 2025 – Todos los derechos reservados.

Crítica literaria:

«La tierra guarda su secreto» es un poema que conjuga la emoción con la admiración intelectual, trazando un retrato delicado y reverente de Federico García Lorca. La elección de imágenes —como sombras chinescas, ululando sueños siniestros o manantiales que esconden su cuerpo— dota al texto de una atmósfera onírica, casi mística, que recuerda el estilo simbólico del propio Lorca.

Desde el punto de vista estructural, el poema se sostiene en una cadencia libre, con versos que respiran por sí mismos, sin encorsetamiento métrico. Esto le permite al poema fluir con naturalidad y emotividad, tal como se esperaría de una carta dirigida a alguien profundamente amado.

El poema destaca por su capacidad de diálogo con la tradición sin imitarla. Reconoce al poeta como mito, pero también como hombre vulnerable y cercano: «amado ser humano, amado recuerdo». Esta doble mirada aporta una rica profundidad emocional.

En resumen, es un homenaje sincero y bien logrado, que honra tanto la palabra como el silencio que envuelve la memoria del poeta asesinado. Tiene la potencia de lo íntimo y la dignidad de lo eterno.

Introducción al poema:

Hay encuentros que no responden al azar, sino al llamado silencioso de dos almas que se buscan desde siempre. 
Este poema habla de ese reconocimiento profundo, de la certeza inmediata de pertenencia, del deseo de fundirse en un solo ser para caminar juntos más allá del tiempo.

Es un poema que habla del amor en su forma más pura y trascendente: un amor que reconoce, que se encuentra, que se escapa del mundo para ser sólo alma, sentir y eternidad.

La belleza en la forma en que se conecta lo terrenal con lo eterno, lo vivido con lo soñado, y cómo la intensidad del sentir traspasa el tiempo, es lograr que la pasión no sea solo deseo, sino necesidad de fundirse en algo más grande que uno mismo.
Es un canto al amor que no teme perderse, porque sabe que en su entrega total está la eternidad.


MUCHO MÁS ALLÁ

Cuando llegaste a él, lo sintió,
él sabía que era su anhelo de pasión.
Ella vio el alma que siempre buscó.

Sintieron la precipitación
de querer abrazar,
de ganas de dar,
de ilusión por amar.

Debían escaparse a un lugar
donde nadie pudiera llegar,
allí donde sus orillas rozar,
inundar, acercar, enredar,
fundiéndose para no ser más
que un solo ser, un solo soñar.

De tanto vivir,
los sentires crecieron hasta volar,
tejiendo con hilos de plata
los años vividos en su caminar.

Nunca terminaría aquel sentir
que los encadenaba
hasta volver a empezar,
sabiendo que ese día
sería el primero que los ataría
hasta la eternidad.

Un día cualquiera,
salieron a pasear,
enfilando una senda
por la que se perdieron sin más,
sin necesidad de morada,
sin volver la vista atrás,
rodeados de estrellas,
donde poderse amar
por siempre jamás.


© María Bueno, 2025 – Todos los derechos reservados.


Crítica literaria:

El poema MUCHO MÁS ALLÁ es una delicada evocación del amor absoluto, aquel que trasciende los límites del tiempo y del espacio. Su tono romántico y soñador nos transporta a un universo íntimo, donde los cuerpos y las almas se funden en un solo latido.

La autora utiliza un lenguaje cálido y fluido, con versos que fluyen como un susurro, donde la cadencia del sentimiento domina la forma. Destaca la reiteración de acciones ("abrazar", "dar", "amar"), que refuerzan la urgencia emocional y el deseo de unión.

El cierre —“por siempre jamás”— resuena como un eco de eternidad, elevando la experiencia amorosa a una dimensión espiritual. El uso de imágenes como los “hilos de plata” o las “orillas que se rozan” aportan lirismo y sutileza visual, mientras que la firma final, “Mía”, pone el sello íntimo de pertenencia emocional, más allá del tiempo y de la muerte.

En conjunto, un poema que vibra con intensidad serena, donde el amor se convierte en destino y trascendencia.

Introducción al poema:

El poema “La capa” evoca un gesto de desprendimiento y humanidad que se eleva a símbolo de generosidad y sencillez moral.
Inspirado en la humildad de los actos cotidianos, el texto se sitúa en un ambiente rural, donde la austeridad no impide la grandeza del alma.
El anciano protagonista, al partir su capa para abrigar a los suyos, se convierte en emblema de solidaridad, recordando que el valor de lo humano se mide más por lo compartido que por lo poseído.

LA CAPA

Y cortó, con infinita bondad,
aquella capa de fuerte lana
que lo cobijaba desde hacía años.

Con la intensidad de un rayo,
rasgó la costura que se interpuso,
frenando el deseo de un corte certero:
la gruesa lana resistía al avance
de unas tijeras que la hacían pedazos.

Los aldeanos esperaban junto a la lumbre
de un fuego casi apagado
por el vaivén de cartones arrebolados.

Las tijeras avanzaron hasta el final
del fiero trozo de paño
y se detuvieron en el borde
del último dobladillo conquistado.

Con respeto repartió
trozos de lana a cada hombre,
a cada mujer que tiritaba de frío,
alrededor de un brasero agonizante,
al son de soplos fracasados.

—¡Por fin! —exclamó.
—Ya puedo dar cobijo
bajo pequeños mantos calientes
a mis paisanos.
Quedándose con un trozo
que sería suficiente
para sus quehaceres diarios.

Muchos años después,
el manto seguía colgado
esperando al anciano,
que un día supo hacer
de su capa un sayo.


© María Bueno, 2025 – Todos los derechos reservados.


Crítica literaria:

El poema destaca por su tono narrativo y su honda carga simbólica. La capa representa la protección, el abrigo, pero también la renuncia voluntaria a la comodidad personal por el bienestar colectivo.
El lenguaje, sencillo y sobrio, se ajusta con precisión al espíritu de la historia: la acción es pequeña en apariencia, pero de una profundidad ética conmovedora.

El uso de imágenes como “la gruesa lana que resistía el avance de unas tijeras” o “el brasero agonizante al son de soplos fracasados” introduce una dimensión sensorial y emocional que refuerza el contraste entre la dureza del entorno y la calidez interior del protagonista.

El cierre, con la expresión proverbial “de su capa un sayo”, no sólo aporta una resonancia popular, sino que cierra el círculo del sentido: el sabio anciano supo transformar lo suyo en algo útil para todos, alcanzando así una suerte de trascendencia moral.

En conjunto, “La capa” es un poema de tono sereno y humanista, donde el altruismo se hace poesía, y donde el valor de la acción sencilla se convierte en una lección atemporal de bondad.

Introducción al poema VOLVER:

El poema “Volver” rinde homenaje a los 55 refugiados españoles que murieron en el exilio en La Tronche (Francia) entre febrero y julio de 1939, tras huir de la Guerra Civil en España.
Desde un tono profundamente humano, la autora recrea el éxodo doloroso conocido como la Retirada, en el que miles de personas cruzaron los Pirineos en busca de refugio, dejando atrás su patria devastada y a menudo encontrando la muerte en tierra extranjera.
El poema rescata, con voz empática y serena, la memoria de quienes soñaron con volver, pero cuyo regreso solo fue posible a través del recuerdo y la palabra.


VOLVER

Y se permitió.
Corren atropellados,
desde el alma más pequeñita
hasta el más anciano.

La oscuridad de la noche
ampara sus pasos;
los más pequeños lloran
sobre los brazos de sus madres,
que los cobijan sin descanso,
intentando amamantar
a los recién paridos,
en su largo camino inhumano
en busca de esa frontera gala
que los alojará para salvarlos.

Parten de su tierra madre,
aquella que los vio nacer;
se ahogan entre llantos
de miles de desaparecidos,
sin importar su dolor
ni el vacío de los muertos
que van quedando tirados
por veredas escondidas,
entre zarzas y llantos.

Están llegando.
Apenas les quedan fuerzas
para seguir los pasos
que marcan los más adelantados
en ese camino hacia la esperanza,
tras la frontera
de una tierra en paz,
que les abrirá los brazos
para ahuyentar la barbarie
de una guerra entre hermanos.

Ya divisan al norte
el silencio sin olor a muerte,
sin lamentos desahuciados.

Sin emitir palabras,
todos vuelven sus miradas
hacia su tierra,
la que guarda la memoria
de tantos hijos perdidos
tras las trincheras,
de cualquier bando,
de cualquier forma de pensar,
de cualquier trato inhumano
que ampare el sufrimiento
de tantos seres muertos,
de tantos desaparecidos
bajo tierra despreciada,
que invoca el olvido
de los desamparados.

Todas las miradas
evocan sus raíces,
lloran las ausencias
de hogares destrozados.

Es momento de seguir caminando.
Están a pocos metros
de sentirse refugiados,
bajo el techo de otra tierra vecina
que los acogerá entre abrazos.

Cargan fardos vacíos
de pretensiones,
con algunas fotos
que guardan sus raíces,
su pasado.

Las madres lloran el consuelo
de llegar a ese lugar:
la tierra prometida
de los buenos galos.

Los pequeños cuerpos de sus hijos,
de los ancianos,
serán alimentados,
abrigados por la protección
de buenas almas de vecinos,
tras pasar la frontera
que reparte el planeta de todos,
menos de los desheredados.

Allí vivirán bajo el amparo
de sentimientos bondadosos,
tendiendo sus manos.

Un grupo de soldados
va separando
a los recién llegados.

Son tantos,
que serán distribuidos
y desplazados por distintos campos,
para poder darles
medicinas, alimentos,
y un techo bajo el que podrán
descansar y ser abrigados.

Han pasado meses.
Muchos de los refugiados
han tenido suerte
de encontrar nobleza
y generosidad,
bajo techos de hogares
y barracones que amparan
a los más necesitados.

Entre murmullos dicen
que otros muchos se están ahogando
entre sufrimientos y quebrantos,
por un trato vejado,
vacío de piedades,
cargado de maltratos.

A muchos de esos seres
ya no les quedan fuerzas
para seguir luchando.
La vida, en sus cuerpos,
los ha abandonado:
pequeños de meses,
pequeños en años,
ancianos, enfermos…

¡Tantos, tantos!
Que hay tumbas agotadas
abriendo sus entrañas
para guardar almas
que un día soñaron
con volver a la tierra
que los vio nacer,
la misma que los deja olvidados.


© María Bueno, 2025 – Todos los derechos reservados.


Crítica literaria:

“Volver” es un poema de memoria, desarraigo y dignidad, escrito con una voz compasiva que rehúye el odio y se centra en el sufrimiento humano compartido. 
La autora entreteje imágenes sencillas y desgarradoras —las madres amamantando en la huida, los cuerpos rendidos, los fardos vacíos de pretensiones— que revelan el rostro más humano del exilio.

El ritmo libre y la repetición de estructuras (“los más pequeños…”, “tantos, tantos…”) intensifican la sensación de multitud, de marcha incesante, de dolor colectivo. 
El tono narrativo, casi testimonial, acerca el poema a una crónica poética que documenta el horror desde la empatía y no desde la distancia.

El título, Volver, adquiere un valor simbólico: es el sueño imposible del refugiado, el anhelo de retorno a la tierra que les dio origen y que, paradójicamente, los olvidó. La palabra “volver” se convierte así en un eco trágico y esperanzado a la vez: volver a la memoria, al reconocimiento, a la dignidad.

En su conjunto, el poema constituye un acto de reparación poética: nombra a los que ya no pueden hablar, denuncia el dolor sin rencor y devuelve humanidad a quienes la historia relegó al silencio. 
Es un texto de profunda sensibilidad histórica y ética, donde la poesía se convierte en un puente entre el pasado y la conciencia del presente.

Introducción al poema PLANETA TIERRA:

En este poema, María Bueno alza una voz de profunda conciencia y ternura hacia el planeta que nos sostiene. PLANETA TIERRA es un diálogo íntimo y doliente entre la autora y la Tierra misma, concebida como una madre herida por la indiferencia y el egoísmo humano. La poeta, desde la sensibilidad de quien observa con amor y respeto la naturaleza, se interroga por la devastación, la pérdida y el sufrimiento de un mundo que agoniza bajo el peso de la inconsciencia colectiva.

A través de un tono elegíaco y reflexivo, María transforma el lamento en un llamado a la responsabilidad: nos recuerda que la Tierra no es solo un espacio que habitamos, sino un ser vivo con voz y sentir propio. Su palabra poética se convierte así en eco de una plegaria y en advertencia: si seguimos ignorando su dolor, nos alejaremos también de nuestra propia esencia. PLANETA TIERRA es, en definitiva, una súplica poética por la reconciliación entre la humanidad y su hogar primordial.

PLANETA TIERRA

Tierra,
¿por qué me hablas así?
Te revuelves y te quiebras
cuando poso mi piel sobre ti.

¡Ay, Tierra!,
¿qué hicimos de ti?,
¿qué hicimos para dañarte así,
sin ver ni sentir
tu propio vivir?

Madre Tierra,
tu grandeza es indomable,
tu belleza, incalculable,
tu generosidad, infinita;
callado es tu sufrir.

Siento tu dolor
cuando miro tu rostro
y veo la desesperación
de un planeta esquilmado
por la devastación:
de tus grandes bosques,
de tus océanos,
de tu cielo azul,
de las terribles guerras,
de barbaries y muertes,
de tanto y tanto horror.

Tierra,
cuánto sufrimos
al alejarnos de ti,
al ignorar que tienes
una vida por vivir.

El hacer maldito
nos envilece ante ti.

Tierra madre,
Tierra amiga,
cuídate de nuestro existir,
de nuestro vivir sin ti.

© María Bueno, 2025 – Todos los derechos reservados.

Crítica literaria al poema PLANETA TIERRA:

En PLANETA TIERRA, la autora logra una simbiosis poética entre la emoción humana y la voz de la naturaleza. El poema se construye como una conversación íntima entre la autora y la Tierra, a la que interpela con tono maternal, casi reverente, desde una conciencia dolida por la pérdida del equilibrio natural. La elección del apóstrofe —“Tierra, ¿por qué me hablas así?”— abre un diálogo espiritual que trasciende lo físico y coloca al lector frente a la responsabilidad ética del daño causado al planeta.

El ritmo pausado y la sencillez expresiva potencian la hondura del mensaje. Cada verso fluye con una cadencia que invita a la reflexión, sin artificios ni retórica vacía. María utiliza repeticiones afectivas (“Tierra”, “Madre Tierra”) como recurso para acentuar la cercanía emocional y la súplica. La musicalidad del poema —suavemente doliente— sostiene un tono elegíaco que envuelve al lector en un sentimiento de culpa compartida, pero también de esperanza redentora.

Desde el punto de vista simbólico, el poema representa el grito silencioso de la naturaleza y la llamada urgente a un despertar de la conciencia humana. Su belleza reside en la pureza del sentir, en la palabra honesta que no busca adornarse, sino conmover y despertar. PLANETA TIERRA es, en definitiva, un canto de amor y arrepentimiento que devuelve a la poesía su función esencial: recordar al ser humano su pertenencia a la vida que destruye y, aún, puede salvar.

Introducción:
El poema Antes de Morir Quiero es profundamente conmovedor. Tiene una dulzura serena, un amor que no exige, solo desea estar, abrazar, acunar, entregar lo más íntimo antes del último suspiro. Cada estrofa se desliza como una caricia, con una ternura que emociona sin aspavientos, como si el alma misma hablara con la naturalidad de quien sabe que amar es también dejar marchar con amor.
Hay una musicalidad sutil en los versos, un ritmo suave que acompaña ese deseo de eternidad en lo cotidiano: mirar, abrazar, mecer, cruzar la playa… Todo ello, envuelto en imágenes profundamente evocadoras.

La metáfora de las aguas que fueron fuentes de lágrimas me pareció especialmente poderosa: una declaración de dolor y entrega a la vez.
Y ese último verso, tan sencillo y tan hermoso: llevar en mi retina tu cara, es la joya que corona todo el poema. Resume el anhelo esencial: que el amor sea lo último que quede.

ANTES DE MORIR QUIERO

Antes de morir quiero
ver tus ojos del alma,
hacer como que no te miro
y empaparme de ti hasta el alba.

Antes de morir quiero
sentir tu aliento con calma,
hacer vibrar mis sentidos
y saber que nada te falta.

Antes de morir quiero
dejar mi corazón en tu alma,
sentir que mezo tus sueños,
que mis brazos te abarcan.

Antes de morir quiero
oír tu voz con palabras,
decirte que te quiero por siempre,
rozando mi mano tu cara.

Antes de morir quiero
que nades tranquila en mis aguas,
aguas que fueron fuentes
de lágrimas derramadas.

Antes de morir quiero
que cruces conmigo esta playa,
playa que morirá conmigo,
dejando en tu orilla mi eternidad entregada.

Antes de morir quiero
abrazar tus miedos al alba,
fundir tu cara en mi abrazo,
acurrucar con mimo
mi amor en tu alma.

Porque antes de morir quiero
llevar en mi retina,
para siempre, tu cara.

© María Bueno, 2025 – Todos los derechos reservados.

Análisis y crítica:

El poema se sostiene sobre un eje rítmico poderoso: la reiteración “Antes de morir quiero” convierte cada estrofa en un deseo vital, casi una letanía de amor perdido. La delicadeza con que se nombra la ausencia crea un puente entre la tristeza y la ternura. No hay rabia, hay dolor, amor y calma.

La estructura en octavillas libres con versos mayormente heptasílabos y endecasílabos le otorga musicalidad suave, lo cual intensifica la sensación de hablarle, desde el susurro, a quien no pudo quedarse.

Es un poema de alto valor emocional, que funciona tanto como despedida, como homenaje, y como grito de amor eterno a lo irremediable.

Observaciones:

Poema emotivo, íntimo, con un ritmo reiterativo que lo convierte en plegaria.