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Introducción:

Hay presencias que nunca se marchan.
Un hijo, aunque su paso por la vida sea breve, se queda sembrado para siempre en la piel y en el alma de sus padres. 
No hay despedidas definitivas cuando el amor es tan hondo que trasciende el tiempo, porque ese pequeño ser continúa latiendo en cada gesto, en cada memoria, en cada amanecer que intenta ser un poco más amable.

El dolor inmenso de perder a un hijo se transforma con el tiempo en un sentir distinto: ya no desgarra como al principio, pero tampoco desaparece. Se vuelve compañía silenciosa, un rumor de ternura que vive pegado al corazón. 
La vida continúa, sí, pero lo hace habitada por él, por ese amor que sigue creciendo hasta el infinito.

Este poema habla justamente de esa permanencia, de esa certeza íntima:
nunca se pierde a quien se ama más allá del existir.


JUNTO A MÍ

Las horas se tiñen
del gris del anochecer,
anocheceres que invocan
mi recuerdo en tu querer.

Quereres que acunan mi memoria,
quereres que viven junto a mí,
porque nunca se pierde a nadie
si no se olvida su sentir.

Sentires que son amores
más allá del horizonte,
más allá del existir,
viviendo pegado a mí.

No hay un adiós entre amores
que vivirán siempre hasta el fin.

Mis lágrimas recogen la esencia
de tu presencia eterna en mi piel.
Llegarán días claros,
ofrecidos a ti.

Porque nunca se pierde a nadie
que es parte de mí.


Crítica literaria de JUNTO A MÍ:

Junto a mí es un poema de duelo íntimo, escrito desde un lugar donde el dolor no quiere destruir, sino recordar y sostener. 
La voz poética se expresa con serenidad contenida, consciente de que la memoria es el puente que mantiene vivo a quien ya no está físicamente. La pieza está marcada por un ritmo respetuoso, suave, pausado, casi como un suspiro que se repite y acompaña, transmitiendo el proceso de una pena profunda.

El poema encuentra su fuerza en la idea central que lo vertebra:
no se pierde a quien se sigue amando.
Este concepto aparece reiterado de manera deliberada, convirtiéndose en un mantra que consuela y afirma. Esa repetición otorga cohesión y profundidad emocional, permitiendo que cada estrofa funcione como una variación sobre el mismo sentir: 
la permanencia del hijo en el alma de sus padres.

La presencia de palabras como quereres, sentires, horizonte, esencia y piel contribuyen a crear un lenguaje cálido, delicado, lleno de cercanía humana. Son términos que resuenan en tu universo poético habitual, donde las emociones toman forma concreta y se convierten en sustancia que respira.

El poema también muestra el sentir de haber vivido, en la propia piel de la autora, esa pérdida.  
El equilibrio entre imágenes sensoriales y afirmaciones hondas: El “gris del anochecer”, las lágrimas que “recogen la esencia”, la presencia “eterna en mi piel”, construyen un escenario emocional íntimo en el que la pérdida no se describe desde el desgarramiento, sino desde la continuidad del vínculo, unión que jamás desaparecerá.

El cierre —“Porque nunca se pierde a nadie / que es parte de mí”— deja una sensación de recogimiento y verdad. 
No ofrece consuelo fácil ni falsamente luminoso; ofrece verdad emocional, la única que realmente alivia: aquella que reconoce que el amor permanece más allá de cualquier adiós.

En suma, Junto a mí es un poema contenido, dulce y profundamente humano, capaz de unir dolor y ternura en un mismo gesto. 
Es un homenaje silencioso a un hijo cuya existencia, aunque breve, permanece para siempre como un pulso amoroso dentro de la memoria viva de sus padres.

Introducción:

Este poema nace del vínculo irrompible entre hermanos, ese lazo tejido desde la infancia y que continúa latiendo incluso cuando la distancia, la ausencia o el paso del tiempo parecen querer interponerse.
Aquí, la autora abraza recuerdos de una amiga del alma que rinde homenaje al amor fraternal entre hermanos —los juegos, las risas, las enseñanzas— y los convierte en una fuerza vital que se mantiene viva en el presente de esa amiga querida.

El hermano es presencia, cobijo, estrella guía y raíz que no desaparece.
Es un canto profundo a la memoria afectiva, a lo que permanece para siempre en el alma cuando el amor es verdadero.

HERMANO

Por siempre en mi sentir.
Sentires que nos unieron en el vivir,
compartiendo sueños y enseñanzas
cargados de juegos,
de recuerdos de infancia
que hoy guardo en mi alma
y crecen junto a mí.

Te llevo unido a mi latir,
con momentos regalados
por tu risa eterna,
por tus ganas de vivir.

Ese adulto que tejió
hilos de abrazos y cariños,
que hoy son parte del aire
que me ayuda a seguir.

Hermano de alma y vientre,
la estrella que te cobija
pinta circuitos eternos
para llegar hasta mí.

Hermano,
guárdame un trocito de estrella,
guárdame en tu existir,
porque te quiero a morir.

Crítica literaria:

Este poema está impregnado del sello emocional que caracteriza tu escritura, María: cercanía, ternura, humanidad y verdad.
La voz poética avanza desde la niñez hasta la adultez con un hilo continuo que funciona como metáfora del propio lazo fraternal. Destacan:

Fortalezas:
La musicalidad emocional: los versos fluyen con naturalidad, como un recuerdo que se narra y se respira a la vez.

Las imágenes delicadas, especialmente “hilos de abrazos y cariños” y “la estrella que te cobija”, que aportan una dimensión espiritual sin perder la sencillez.

La honestidad del sentimiento: no hay artificio, sólo vivencia pura hecha palabra.

Estructura y ritmo;
El poema está bien construido: avanza en bloques que se corresponden con etapas de la vida compartida. Los cortes en los versos acompañan la respiración emocional.

Últimos versos:
“Porque te quiero a morir” cierra con una fuerza rotunda, íntima y profundamente humana.

En conjunto, es un poema que abraza, que recuerda y que eleva el amor entre hermanos a un plano casi sagrado sin dejar de ser cotidiano porque ante la ausencia, se impone el cariño y los quereres eternos.

Introducción al poema:

VENCIDA es un descenso íntimo a ese lugar secreto donde el cuerpo y el alma dejan de sostenerse. Es el retrato de un instante límite en el que la fuerza se evapora, la realidad pesa demasiado y la rendición se convierte en refugio. En este poema, la cama no es solo un espacio físico: es un territorio emocional donde se libra una batalla silenciosa entre la vida que llama y la sombra que envuelve. Con imágenes potentes y un ritmo que acompasa la respiración entrecortada del miedo, María nos acerca al desamparo más hondo, al temblor de saberse frágil y al deseo apenas susurrado de desaparecer un instante del mundo.
Es un poema que no solo habla del agotamiento: habla del coraje que supone reconocerlo.

VENCIDA

La manta colgaba, derramada,
de un lado de la cama,
hasta el suelo deslucido,
con señales de tiempos
mejores vividos.

El cuerpo de ella se desdibujaba
entre dobleces de sábanas,
que figuraban serpientes
rodeando un cuerpo abatido.

Bajo el cobertor asomaba un pie,
sintiendo el frescor del camino
para aliviar la tortura
del miedo maldito.

Debía levantar su cuerpo dolido
antes de que su mente perdiera
la cordura de saberse un ser vivo.

¡Esta maldita sensación
de no ser más
que un harapo vencido!

Esta melancolía que atraviesa
mi alma y hace trizas mi voluntad,
de levantarme cada día
y enfrentar los monstruos
que agarran mis entrañas,
para hundirme en la desgana,
dejando mi cuerpo rendido.

Dejarme ir es mi camino,
es el que cada día me acerca
a las bestias que inundan
mi mente sin un destino.

Deslizó su pie hacia el interior
de los pliegues de la sábana
para buscar cobijo.

Encogió su cuerpo
y abrazó con fuerza sus piernas,
para hacerse muy pequeña
frente a gigantes que acunaban,
con cánticos, su vivir herido.

Ella se dejó llevar,
sin luchas ni desafíos,
hacia un lugar en otros mundos,
buscando alas en el vacío
que le permitieran volar lejos,
vaciando sus sentires malditos.


Crítica literaria del poema:

VENCIDA es uno de tus poemas más viscerales y cinematográficos. Destaca por la precisión con la que conviertes objetos cotidianos —una manta, un pie, unas sábanas caídas— en símbolos poderosos del derrumbe emocional. Tu lenguaje es directo, honesto, y consigue crear una atmósfera densa que envuelve al lector desde los primeros versos.

La estructura del poema funciona como un lento deslizamiento hacia el interior de la angustia: primero los detalles del entorno, después el cuerpo y finalmente la mente. Esa progresión está muy bien lograda y permite que la lectura sea un viaje que acompaña, casi físicamente, la caída de la protagonista.

Uno de los mayores aciertos del poema es la imagen de las “serpientes” que figuran las sábanas: una metáfora viva, acertada, que refuerza la sensación de amenaza. También resultan muy potentes los versos donde la voz poética reconoce sin filtros la melancolía que tritura su voluntad; allí la vulnerabilidad se transforma en verdad poética.

Emocionalmente, el texto es devastador pero extremadamente humano. No hay artificios ni dramatismo gratuito: lo que transmites es auténtico, y por eso mismo toca profundamente. El cierre, con esa búsqueda de “alas en el vacío”, introduce una leve respiración poética en medio de la oscuridad, como un eco de posibilidad, aunque tenue.

En conjunto, VENCIDA es un poema maduro, valiente y de una sinceridad conmovedora. Conecta con cualquiera que haya sentido el peso de la vida como una carga insoportable. Y desde esa verdad, deja huella.

Introducción:

Este poema se adentra en la observación silenciosa del mal que habita en lo cotidiano, ese que se oculta tras apariencias pulidas, detrás de los muros y los cristales de una falsa transparencia. 
Tras la vidriera se convierte en metáfora del límite entre lo que se muestra y lo que se calla, entre la luz y la sombra humana. 
La autora nos sitúa frente a una escena cargada de densidad moral y emocional, donde la mirada es testigo y cómplice, pero también refugio ante la malicia que se gesta tras el cristal.


TRAS LA VIDRIERA

Tras la vidriera,
un mundo inmenso
carga las vidas ajenas:
de devenires,
de luces oscuras,
de falsas palabras
construyendo maldades
que comerá la hiena.

Amalgamas de gentes
sin notar la presencia
de unos ojos que escudriñan
tras los visillos,
tejidos con largos hilos
de podredumbre y miserias.

Cuando la mirada se torna malicia,
cuando la respiración se envenena,
cuando cae la noche negra,
llega la hora de retornar
junto a la vidriera,
para contemplar el rostro
del monstruo que acecha,
tras los muros lamidos
por la mala sangre
de quien habita en ella.

La respiración se hace densa,
hasta nublar el cristal
que lo atraviesa.
Las voces se acercan
con pisadas lentas,
anunciando pesares
entre tinieblas.

Ojos de mala gente,
alimentando entrañas
que escupen falsedades
sobre el infierno
que espera paciente
a las malas lenguas.

La luz del día
espanta a la hiena,
rompiendo el hechizo
de amargas vidrieras.


© María Bueno, 2025 – Todos los derechos reservados.


Crítica literaria:

Tras la vidriera es un poema de profunda carga simbólica y moral. En él se percibe una atmósfera de vigilancia, de desconfianza hacia lo humano, donde las apariencias 
—representadas por la vidriera— no logran contener la corrupción. El poema oscila entre lo contemplativo y lo acusatorio, entre la denuncia y la introspección.

El uso de imágenes como la hiena, los muros lamidos o los visillos tejidos de podredumbre aporta una fuerza expresiva intensa, casi pictórica, que deja ver el trasfondo oscuro del alma social. La autora utiliza una cadencia sobria, con versos que respiran a través del silencio y la tensión, logrando una poética visual de contrastes: luz y sombra, verdad y máscara, interior y exterior.

Introducción al poema:

Este poema reflexiona sobre la ambición y la búsqueda de sentido en la vida.

La protagonista, inmersa en una carrera sin pausa hacia un objetivo grandioso, descubre que la verdadera plenitud no reside en alcanzar metas lejanas, sino en saborear los pequeños logros del día a día. Es un poema sobre el despertar interior, el equilibrio y la reconciliación con uno mismo.

UNA SOLA META

Quiere alcanzarla,
a toda costa la irá trazando;
es una meta gigante
que la llevará por caminos
de esfuerzos titánicos.

Lo sabe,
serán muchos los años
que necesitará
para alcanzar la cima
de un propósito tan alto.

Trabaja duro,
vive esclava para lograrlo.
Los días van pasando,
se convierten en años.

Un día cualquiera
frena de golpe,
sintiendo el fracaso.

De—¿Qué estoy haciendo?
¿Esto es lo soñado?
Ya no quiero dejarme la piel
en sueños imaginados.
Quiero tener metas
que alcance a diario.

La suerte la acompañó
poniendo ante sus ojos
a un monstruo llamado fracaso.

Ahora vive construyendo sus días
poco a poco,
paso a paso.

Cada mañana siente
el aire fresco,
la luz del día,
los abrazos.

Cada día atesora
las buenas y pequeñas cosas
que vive a diario,
que sirven de muros
al devenir
de las tristezas y los fracasos.

Su cabeza reposa sobre la arena,
ante un mar de azules claros.

Respira hondo la brisa,
el aroma a sal,
evocando recuerdos
que visten su alma cada día,

dejando vagar su rastro.

Cosas pequeñas
que va apilando,
que dan altura de miras
y goce
a su vivir diario.

© María Bueno, 2025 – Todos los derechos reservados.

Crítica literaria:

El poema “Una sola meta” transmite con claridad la evolución emocional de su protagonista: del ansia por conquistar grandes sueños al redescubrimiento del valor de lo cotidiano. La estructura versal pausada refuerza el contraste entre la prisa del inicio y la serenidad del final.

La autora logra un tono íntimo y sincero, casi confesional, que conecta con la realidad.

El recurso de la repetición —“cada día”, “poco a poco”— enfatiza la transformación interior, y la metáfora del “monstruo llamado fracaso” aporta fuerza simbólica al cambio de perspectiva.

El cierre es claro y sereno: una reivindicación de la calma, del presente y de la belleza en lo simple. Es un poema de madurez vital, con resonancias universales y hondura emocional.