Autor: María Bueno

Introducción al poema:

Este poema es una elegía emocional dirigida al gran Federico García Lorca. A través de una voz poética profundamente admirativa, la autora da gracias al poeta por su legado lírico y humano, evocando su trágico final con imágenes de sufrimiento, oscuridad y tierra silente. La obra no solo rememora su figura, sino que le otorga un aura de eternidad y secreto: Lorca vive aún, escondido en la memoria del mundo, en los manantiales de su tierra y en el alma de quienes lo sienten.

LA TIERRA GUARDA SU SECRETO

Admirado poeta:

Deseo darle las gracias
por su sentir,
por su forma libre de vivir,
por entretejer pasiones
en su existir.

¡Ay, maestro!
Cuán necesarios
son sus pensamientos,
su generosidad en derrochar
sentires soñados,
tras los cristales teñidos
de sufrimiento.

Tras noches en vela,
lidiando insomnios
con sombras chinescas,
ululando sueños siniestros
que escriben futuros negros.

¡Ay, negruras!
¿Dónde esconder mi cuerpo
para que nadie empape su alma
con mis cantares eternos?

Querido poeta, sé su secreto:
poder cerrar los ojos
y mirar desde dentro,
porque solo la eternidad
es su fiel compañero,
esa mezcolanza de cantares
y poemas cargados de versos.

Alevosías perfectas
escritas sobre lo incompleto,
sobre la imperfección
de saberes inciertos
que hoy duermen atesorando
la vida del maestro.

Don Federico García Lorca,
guardián de secretos,
de sentimientos que nadan
entre aguas cristalinas,
bajo manantiales
que esconden su cuerpo.

La tierra llora
todos sus sentires,
todos sus sueños.

Federico García Lorca,
amado ser humano,
amado recuerdo,
amado MAESTRO.

© María Bueno, 2025 – Todos los derechos reservados.

Crítica literaria:

«La tierra guarda su secreto» es un poema que conjuga la emoción con la admiración intelectual, trazando un retrato delicado y reverente de Federico García Lorca. La elección de imágenes —como sombras chinescas, ululando sueños siniestros o manantiales que esconden su cuerpo— dota al texto de una atmósfera onírica, casi mística, que recuerda el estilo simbólico del propio Lorca.

Desde el punto de vista estructural, el poema se sostiene en una cadencia libre, con versos que respiran por sí mismos, sin encorsetamiento métrico. Esto le permite al poema fluir con naturalidad y emotividad, tal como se esperaría de una carta dirigida a alguien profundamente amado.

El poema destaca por su capacidad de diálogo con la tradición sin imitarla. Reconoce al poeta como mito, pero también como hombre vulnerable y cercano: «amado ser humano, amado recuerdo». Esta doble mirada aporta una rica profundidad emocional.

En resumen, es un homenaje sincero y bien logrado, que honra tanto la palabra como el silencio que envuelve la memoria del poeta asesinado. Tiene la potencia de lo íntimo y la dignidad de lo eterno.

Introducción al poema “GIGANTES”:

Desde niña escuché que los gigantes no se miden en metros ni en fuerza, sino en la hondura del alma. 
Crecí observando cómo las personas más grandes que conocí apenas ocupaban espacio: su presencia se sentía en lo que daban, no en lo que mostraban.

Este poema nace de esa enseñanza, de la certeza de que los verdaderos gigantes caminan despacio, miran de frente y dejan huellas invisibles en quienes los rodean. 
A veces, basta una palabra sencilla, un gesto pequeño o una caricia sin ruido para engrandecer el mundo.

GIGANTES es un homenaje a esas almas silenciosas que me enseñaron a mirar lo diminuto con ojos de gratitud, y a volar alto sin despegar los pies de la tierra.


GIGANTES

Desde pequeña me enseñaron
que los gigantes crecen
sin necesitar brazos largos,
ni cuerpos grandes,
ni zancadas de enormes zapatos.

«Mariquilla, lo grande
no entiende de espacios;
solo necesita que el alma
camine lento,
para notar todos los matices
que guarda cada color,
cada mirada, cada ser vivo
dentro de tu mundo cercano».

No pienses que la grandeza
está en el tamaño;
a veces, lo más pequeño
te hace sentir
cuán grande puede ser
algo que casi no vemos,
pero soñamos.

Con los pies en el suelo,
pisando fuerte,
no dejes jamás de volar alto,
para percibir la esencia
de las pequeñas cosas
que nos rodean a diario,
esas que casi no se ven
por su pequeño tamaño,
pero que guardan gigantes:
sentires que le darán alas
a tus pequeños pasos,
sin que necesites mucho
para tu vivir diario.

Sentires gigantes,
de pequeño tamaño.


© María Bueno, 2025 – Todos los derechos reservados.

Crítica literaria.

Tema y tono:

El poema es una oda a la humildad y a la verdadera grandeza del alma. Desde la primera estrofa, se percibe una voz materna o ancestral que enseña a la niña —la “Mariquilla”— que la magnitud de un ser no está en su apariencia, sino en su profundidad emocional y espiritual. 
El tono es cálido, tierno y reflexivo, cargado de sabiduría cotidiana.

Estructura y ritmo:

La estructura fluye con naturalidad. La división en bloques ayuda a respirar el poema y a reforzar la progresión de ideas: primero la enseñanza, luego la reflexión, y finalmente la invitación a vivir desde la sencillez. 
Los versos son de extensión variable, pero bien dosificados, lo que da musicalidad sin forzar la métrica.

Lenguaje y recursos:

El lenguaje es claro, de una pureza emocional que emociona. 
Destacan el uso simbólico de los “gigantes” como metáfora del valor interior y la contraposición entre lo grande y lo pequeño como hilo conductor. 
La repetición del adjetivo “pequeño” y su contraposición con “gigante” crean un bello juego semántico que sostiene la esencia del poema.

Verso final:

“Sentires gigantes, de pequeño tamaño” cierra magistralmente la composición. Resume toda la enseñanza en una sola imagen poética de enorme poder emocional. Es un verso memorable, con fuerza y ternura a la vez.

En conjunto:

GIGANTES es un poema entrañable, lleno de luz interior. Transmite una enseñanza vital sin didactismo, desde la ternura y la experiencia.

La voz poética abraza, no impone; guía desde el amor y la sencillez. Es un texto que deja huella por su honestidad y su profundidad afectiva.

Introducción al poema:

Este poema es una ofrenda que habla de la intensidad serena de un "tú" que habita en el alma, más allá de las palabras, del cuerpo, incluso del "yo". 
En ese silencio donde las letras no alcanzan y la noche no necesita luna, nace una plenitud que se respira, que se sueña. 
El poema Tú es una visión del sentir que dota de palabras al silencio.
A veces, el amor se reduce a una sola presencia, como si todo lo demás desapareciera. 
Este poema nace de esa percepción absoluta: cuando Tú lo llenas todo, incluso a mí me haces prescindible. En su sencillez, este texto guarda profundidades inmensas, donde el silencio, la mirada y una única palabra bastan para sostener el alma.


TÚ

No hay nadie,
sólo tú,
ni siquiera yo.

La inmensidad
de tu presencia
no necesita de voz.

El sonido
de tu respiración
pone acento de amor,
cada vez que me miras
y sólo me dices:
tú.

Las palabras
se quedan mudas,
sin letras
que puedan sostener
los sentires
en noches oscuras.

Tú.
Sólo tú
llenas mi alma
sin necesitar lunas.

Tú,
mi única
y eterna locura.


© María Bueno, 2025 – Todos los derechos reservados.


Crítica literaria del poema TÚ:

“TÚ” es un poema de profunda sencillez expresiva y de una hondura emocional que se impone desde el primer verso. La voz poética se disuelve en la presencia del otro, hasta el punto de anularse: “No hay nadie, / sólo tú, / ni siquiera yo.” 
Esta apertura establece de inmediato el tono esencial del poema —una entrega absoluta, silenciosa y pura— donde el amor deja de ser dualidad para convertirse en unidad.


Forma y ritmo:

El poema fluye en versos breves, libres, con pausas naturales que reproducen el ritmo de la respiración y del pensamiento amoroso. 
No hay artificio ni exceso: cada verso parece haber sido escogido con la misma delicadeza con la que se pronuncia un nombre querido.
El uso del silencio —reforzado por las pausas y los encabalgamientos— es magistral; el poema se sostiene tanto en lo que dice como en lo que calla. 
La estructura visual y sonora favorece la sensación de calma, de suspensión, casi mística, que impregna todo el texto.


Lenguaje y simbolismo:

El lenguaje es íntimo, transparente y lleno de serenidad. 
Los elementos simbólicos —la voz, la respiración, la luna, el silencio, la plenitud— se integran en una atmósfera de contemplación amorosa.
La luna ausente es especialmente significativa: representa la oscuridad de la noche interior, pero también la posibilidad de iluminarla desde dentro, desde la presencia del “tú” que llena el alma de ternura y sueños.
La culminación en “Tú, / mi única / y eterna locura” es un cierre perfecto: resume el conflicto entre serenidad y pasión, entre lo eterno y lo humano, sin necesidad de explicarlo. Es un final que late con la intensidad de lo esencial.


Valor poético:

Tu poema logra un equilibrio difícil: ser intenso sin ser grandilocuente, emotivo sin caer en la retórica del amor romántico convencional. 
El tono recuerda a la poesía de misticismo amoroso, donde el “tú” puede ser tanto un ser amado como una presencia espiritual.
La pureza expresiva, la ausencia de ornamentos y la fuerza de la sencillez lo convierten en un texto de una belleza silenciosa, casi meditativa.


Conclusión:

TÚ es un poema de plenitud contenida, donde la palabra se convierte en aliento y el amor se expresa como una forma de existencia. 
En su brevedad y transparencia se encuentra su grandeza: la comunión con el otro y la disolución del ego en el amor universal.

Introducción al poema:

Hay encuentros que no responden al azar, sino al llamado silencioso de dos almas que se buscan desde siempre. 
Este poema habla de ese reconocimiento profundo, de la certeza inmediata de pertenencia, del deseo de fundirse en un solo ser para caminar juntos más allá del tiempo.

Es un poema que habla del amor en su forma más pura y trascendente: un amor que reconoce, que se encuentra, que se escapa del mundo para ser sólo alma, sentir y eternidad.

La belleza en la forma en que se conecta lo terrenal con lo eterno, lo vivido con lo soñado, y cómo la intensidad del sentir traspasa el tiempo, es lograr que la pasión no sea solo deseo, sino necesidad de fundirse en algo más grande que uno mismo.
Es un canto al amor que no teme perderse, porque sabe que en su entrega total está la eternidad.


MUCHO MÁS ALLÁ

Cuando llegaste a él, lo sintió,
él sabía que era su anhelo de pasión.
Ella vio el alma que siempre buscó.

Sintieron la precipitación
de querer abrazar,
de ganas de dar,
de ilusión por amar.

Debían escaparse a un lugar
donde nadie pudiera llegar,
allí donde sus orillas rozar,
inundar, acercar, enredar,
fundiéndose para no ser más
que un solo ser, un solo soñar.

De tanto vivir,
los sentires crecieron hasta volar,
tejiendo con hilos de plata
los años vividos en su caminar.

Nunca terminaría aquel sentir
que los encadenaba
hasta volver a empezar,
sabiendo que ese día
sería el primero que los ataría
hasta la eternidad.

Un día cualquiera,
salieron a pasear,
enfilando una senda
por la que se perdieron sin más,
sin necesidad de morada,
sin volver la vista atrás,
rodeados de estrellas,
donde poderse amar
por siempre jamás.


© María Bueno, 2025 – Todos los derechos reservados.


Crítica literaria:

El poema MUCHO MÁS ALLÁ es una delicada evocación del amor absoluto, aquel que trasciende los límites del tiempo y del espacio. Su tono romántico y soñador nos transporta a un universo íntimo, donde los cuerpos y las almas se funden en un solo latido.

La autora utiliza un lenguaje cálido y fluido, con versos que fluyen como un susurro, donde la cadencia del sentimiento domina la forma. Destaca la reiteración de acciones ("abrazar", "dar", "amar"), que refuerzan la urgencia emocional y el deseo de unión.

El cierre —“por siempre jamás”— resuena como un eco de eternidad, elevando la experiencia amorosa a una dimensión espiritual. El uso de imágenes como los “hilos de plata” o las “orillas que se rozan” aportan lirismo y sutileza visual, mientras que la firma final, “Mía”, pone el sello íntimo de pertenencia emocional, más allá del tiempo y de la muerte.

En conjunto, un poema que vibra con intensidad serena, donde el amor se convierte en destino y trascendencia.

Introducción al poema:

El poema VIOLENCIA CERO aborda de frente la crudeza de la violencia, desnudándola de cualquier justificación y mostrando su esencia destructiva. 
Se presenta como una fuerza maldita que atraviesa almas, desgarra cuerpos y arranca vidas inocentes, en especial las de los más pequeños. 
La voz poética interpela a la violencia, le cuestiona su origen, su hambre insaciable y su capacidad de deshumanizar, hasta llegar a un final que contrasta ternura y horror: el diálogo de una niña que, ante la muerte, busca en el cielo la dulzura que la vida le negó. Es un poema de denuncia, cargado de imágenes potentes, que invita a la reflexión sobre la barbarie y la pérdida de inocencia.

VIOLENCIA CERO

VIOLENCIA,
eres esencia maldita
entre los pliegues del alma,
con flujos envenenados
de torrentes sin calma.

Eres miseria ahogada,
buscando oxígeno
bajo la piel de mil caras,
bajo mantos negros
como una noche cerrada.

¿No hay pesares en tus madrugadas?
¿No hay desechos malditos
que ahoguen tu garganta?

VIOLENCIA,
¿de dónde sacas la vileza?
¿De dónde esa hambre insaciable?,
hambre de sufrimiento ajeno,
de sangre derramada,
de llantos infantiles,
de pequeñas vidas,
de diminutos cuerpos inertes
sobre brazos que acunan la muerte,
de hijos sin vida,
del propio vacío en la calma.

Y preguntó una pequeña niña
en una de esas noches malditas:

—Mamá, ¿es verdad que hay
dulce chocolate en el cielo
para toda la eternidad?

—Sí, todo el que tu pequeño cuerpo pida, todo el que quieras alcanzar.

Y cerraron los ojos
tras la muerte infinita.

VIOLENCIA,
esa que no tiene vida,
esa versada en "geo";
sin geografías de vidas.


NOTA: en el verso "esa hambre",se utiliza el pronombre femenino "esa" porque va antes de "hambre". 
La regla de usar "el" sólo se aplica cuando el artículo indefinido está justo antes de la palabra.

© María Bueno, 2023 – Todos los derechos reservados.


Crítica literaria:

El poema VIOLENCIA CERO impacta por la fuerza de sus imágenes y por la crudeza emocional con que enfrenta a la violencia. 
La repetición de la palabra VIOLENCIA en mayúsculas cumple una función de martillo: marca ritmo, interpela, obliga a no apartar la mirada. La combinación de metáforas (“flujos envenenados”, “mantos negros como una noche cerrada”) con escenas directas y desgarradoras (los “diminutos cuerpos inertes” o la pregunta de la niña sobre el chocolate celestial) genera un contraste que estremece y ahoga. 

En lo formal, el poema respeta un tono sostenido de denuncia y mantiene coherencia en la estructura versal, aunque en algunos fragmentos se abre a un lenguaje más narrativo, especialmente en el diálogo de la niña. Esta forma de escribir humaniza y sensibiliza, evitando que el texto se quede en la mera abstracción de la condena.

En síntesis, VIOLENCIA CERO es un poema duro, de denuncia social y de profunda carga ética, donde la ternura infantil aparece como último refugio frente a la brutalidad de la violencia. Su mayor valor reside en la fuerza testimonial y en la capacidad de estremecer al lector.

Introducción al poema:

El poema “La capa” evoca un gesto de desprendimiento y humanidad que se eleva a símbolo de generosidad y sencillez moral.
Inspirado en la humildad de los actos cotidianos, el texto se sitúa en un ambiente rural, donde la austeridad no impide la grandeza del alma.
El anciano protagonista, al partir su capa para abrigar a los suyos, se convierte en emblema de solidaridad, recordando que el valor de lo humano se mide más por lo compartido que por lo poseído.

LA CAPA

Y cortó, con infinita bondad,
aquella capa de fuerte lana
que lo cobijaba desde hacía años.

Con la intensidad de un rayo,
rasgó la costura que se interpuso,
frenando el deseo de un corte certero:
la gruesa lana resistía al avance
de unas tijeras que la hacían pedazos.

Los aldeanos esperaban junto a la lumbre
de un fuego casi apagado
por el vaivén de cartones arrebolados.

Las tijeras avanzaron hasta el final
del fiero trozo de paño
y se detuvieron en el borde
del último dobladillo conquistado.

Con respeto repartió
trozos de lana a cada hombre,
a cada mujer que tiritaba de frío,
alrededor de un brasero agonizante,
al son de soplos fracasados.

—¡Por fin! —exclamó.
—Ya puedo dar cobijo
bajo pequeños mantos calientes
a mis paisanos.
Quedándose con un trozo
que sería suficiente
para sus quehaceres diarios.

Muchos años después,
el manto seguía colgado
esperando al anciano,
que un día supo hacer
de su capa un sayo.


© María Bueno, 2025 – Todos los derechos reservados.


Crítica literaria:

El poema destaca por su tono narrativo y su honda carga simbólica. La capa representa la protección, el abrigo, pero también la renuncia voluntaria a la comodidad personal por el bienestar colectivo.
El lenguaje, sencillo y sobrio, se ajusta con precisión al espíritu de la historia: la acción es pequeña en apariencia, pero de una profundidad ética conmovedora.

El uso de imágenes como “la gruesa lana que resistía el avance de unas tijeras” o “el brasero agonizante al son de soplos fracasados” introduce una dimensión sensorial y emocional que refuerza el contraste entre la dureza del entorno y la calidez interior del protagonista.

El cierre, con la expresión proverbial “de su capa un sayo”, no sólo aporta una resonancia popular, sino que cierra el círculo del sentido: el sabio anciano supo transformar lo suyo en algo útil para todos, alcanzando así una suerte de trascendencia moral.

En conjunto, “La capa” es un poema de tono sereno y humanista, donde el altruismo se hace poesía, y donde el valor de la acción sencilla se convierte en una lección atemporal de bondad.

Introducción al poema VOLVER:

El poema “Volver” rinde homenaje a los 55 refugiados españoles que murieron en el exilio en La Tronche (Francia) entre febrero y julio de 1939, tras huir de la Guerra Civil en España.
Desde un tono profundamente humano, la autora recrea el éxodo doloroso conocido como la Retirada, en el que miles de personas cruzaron los Pirineos en busca de refugio, dejando atrás su patria devastada y a menudo encontrando la muerte en tierra extranjera.
El poema rescata, con voz empática y serena, la memoria de quienes soñaron con volver, pero cuyo regreso solo fue posible a través del recuerdo y la palabra.


VOLVER

Y se permitió.
Corren atropellados,
desde el alma más pequeñita
hasta el más anciano.

La oscuridad de la noche
ampara sus pasos;
los más pequeños lloran
sobre los brazos de sus madres,
que los cobijan sin descanso,
intentando amamantar
a los recién paridos,
en su largo camino inhumano
en busca de esa frontera gala
que los alojará para salvarlos.

Parten de su tierra madre,
aquella que los vio nacer;
se ahogan entre llantos
de miles de desaparecidos,
sin importar su dolor
ni el vacío de los muertos
que van quedando tirados
por veredas escondidas,
entre zarzas y llantos.

Están llegando.
Apenas les quedan fuerzas
para seguir los pasos
que marcan los más adelantados
en ese camino hacia la esperanza,
tras la frontera
de una tierra en paz,
que les abrirá los brazos
para ahuyentar la barbarie
de una guerra entre hermanos.

Ya divisan al norte
el silencio sin olor a muerte,
sin lamentos desahuciados.

Sin emitir palabras,
todos vuelven sus miradas
hacia su tierra,
la que guarda la memoria
de tantos hijos perdidos
tras las trincheras,
de cualquier bando,
de cualquier forma de pensar,
de cualquier trato inhumano
que ampare el sufrimiento
de tantos seres muertos,
de tantos desaparecidos
bajo tierra despreciada,
que invoca el olvido
de los desamparados.

Todas las miradas
evocan sus raíces,
lloran las ausencias
de hogares destrozados.

Es momento de seguir caminando.
Están a pocos metros
de sentirse refugiados,
bajo el techo de otra tierra vecina
que los acogerá entre abrazos.

Cargan fardos vacíos
de pretensiones,
con algunas fotos
que guardan sus raíces,
su pasado.

Las madres lloran el consuelo
de llegar a ese lugar:
la tierra prometida
de los buenos galos.

Los pequeños cuerpos de sus hijos,
de los ancianos,
serán alimentados,
abrigados por la protección
de buenas almas de vecinos,
tras pasar la frontera
que reparte el planeta de todos,
menos de los desheredados.

Allí vivirán bajo el amparo
de sentimientos bondadosos,
tendiendo sus manos.

Un grupo de soldados
va separando
a los recién llegados.

Son tantos,
que serán distribuidos
y desplazados por distintos campos,
para poder darles
medicinas, alimentos,
y un techo bajo el que podrán
descansar y ser abrigados.

Han pasado meses.
Muchos de los refugiados
han tenido suerte
de encontrar nobleza
y generosidad,
bajo techos de hogares
y barracones que amparan
a los más necesitados.

Entre murmullos dicen
que otros muchos se están ahogando
entre sufrimientos y quebrantos,
por un trato vejado,
vacío de piedades,
cargado de maltratos.

A muchos de esos seres
ya no les quedan fuerzas
para seguir luchando.
La vida, en sus cuerpos,
los ha abandonado:
pequeños de meses,
pequeños en años,
ancianos, enfermos…

¡Tantos, tantos!
Que hay tumbas agotadas
abriendo sus entrañas
para guardar almas
que un día soñaron
con volver a la tierra
que los vio nacer,
la misma que los deja olvidados.


© María Bueno, 2025 – Todos los derechos reservados.


Crítica literaria:

“Volver” es un poema de memoria, desarraigo y dignidad, escrito con una voz compasiva que rehúye el odio y se centra en el sufrimiento humano compartido. 
La autora entreteje imágenes sencillas y desgarradoras —las madres amamantando en la huida, los cuerpos rendidos, los fardos vacíos de pretensiones— que revelan el rostro más humano del exilio.

El ritmo libre y la repetición de estructuras (“los más pequeños…”, “tantos, tantos…”) intensifican la sensación de multitud, de marcha incesante, de dolor colectivo. 
El tono narrativo, casi testimonial, acerca el poema a una crónica poética que documenta el horror desde la empatía y no desde la distancia.

El título, Volver, adquiere un valor simbólico: es el sueño imposible del refugiado, el anhelo de retorno a la tierra que les dio origen y que, paradójicamente, los olvidó. La palabra “volver” se convierte así en un eco trágico y esperanzado a la vez: volver a la memoria, al reconocimiento, a la dignidad.

En su conjunto, el poema constituye un acto de reparación poética: nombra a los que ya no pueden hablar, denuncia el dolor sin rencor y devuelve humanidad a quienes la historia relegó al silencio. 
Es un texto de profunda sensibilidad histórica y ética, donde la poesía se convierte en un puente entre el pasado y la conciencia del presente.